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sesiones críticas

FIGURAS DE LA INMOVILIDAD

Antonio Pradel

A modo de declaración de intenciones:

-Reivindicación de una crítica en la que podamos “hablar por nosotros mismos”; “incultos” respecto a ciertas cuestiones sobre las que intentamos aclararnos.

-Del estatismo y la inmovilidad como formas de antivalor; formas de resistencia.

-De la idea de PELIGRO en relación con la práctica pictórica (“huir de la pintura: quedarse inmóvil frente a ella”) > toreo de salón-pintura de salón. ¿De qué PELIGRO se trata cuando hablamos de pintura? De los orígenes peligrosos de la pintura.

-De la idea de ABANDONO (“cambiar de oficio, de deseo”).

-Otras figuras de la inmovilidad. Relación entre conceptos: inmovilidad-abandono-ocultación-locura.

-Rastrear una Hª del Arte del siglo XX como Historia de la Negación (de la Carta de Lord Chandos a la fórmula de Bartleby).

-De los diferentes motivos para quedarse parado: en torno a la GRAVEDAD de la tierra.


“L’immobilité, ça dérange le siècle [LA INMOVILIDAD MOLESTA AL SIGLO], escribía el poeta y cantante anarquista Léo Ferré, irritado ante el poder de contaminación del turismo y sus promesas idiotas… (…) La INMOVILDAD molestaba al siglo XX y molesta al XXI. Hay que moverse, dice la consigna, aunque sea para descubrir lo mismo en todas partes”. Octavi Martí “Elogio de la quietud” (El País, 6-4-07)
Tengo el secreto: sólo consiste en detenerse.En las épocas de parálisis, el secreto era la rapidez: pero no parecen darse cuenta de que, en esta era de la aceleración incontrolada, el secreto es la lentitud.Para hacer sitio a la leche, tendremos que irnos deshaciendo de un poco de cálculo diferencial. Será probablemente el artista de la ausencia quien nos adelante un par de claves viables para la felicidad.Jorge Riechmann, Momento de parar
“El siglo XX, que empezaba para los franceses con la torre Eiffel, para los españoles ha empezado con Don Tancredo”José Bergamín
Hacia finales del siglo XVIII, en Roma, donde se venían celebrando corridas de toros desde antiguo [Erasmo de Rotterdam afirmaba en 1509, tras presenciar uno de estos espectáculos: “No encontré placer alguno en aquellos juegos sangrientos”], además de un remoto equivalente de la suerte de banderillas, tuvieron lugar corridas con algo de charlotadas. En ellas actuaba el stafermo, personaje que, embadurnado en harina, aguantaba FERMO, QUIETO E IMPERTÉRRITO, las tarascadas de los toros, hasta que decidía ponerse a salvo.


“Volverse INVISIBLE (…) constituye el remedio seguro para evitar la corrosiva hipervisibilidad de la pintura; esa aspereza última de todo arte que decae y arrastra en su caída a quienes lo practican, por más que se vuelvan invisibles. He aquí el recurso postrero y paradójico: especie de TANCREDISMO que ensombrece siempre la apoteosis radiante del arte. (…) HUIR DE LA PINTURA; quedarse inmóvil frente a ella; pasarle desapercibido. La pintura ha ido creciendo y volviéndose cada vez más peligrosa”.Ángel González García, Pintura y toros (1983)


Pensar de pintura. Algunas consideraciones acerca del potencial de la práctica pictórica en la actualidad. Dentro de este catálogo, nos centramos en el texto de Miguel Á Hernández-Navarro “La tachadura”. “Ya sea en el juego o FRENTE A UN PELIGRO REAL, la ocultación presupone siempre la presencia de alguien o de algo de lo que se quiere escapar, implica siempre a otro. Esconderse es siempre esconderse ‘de’; ocultarse es siempre ocultarse ‘ante’. Uno no se esconde de nadie o de nada, sino que toda ocultación está relacionada con un sujeto que busca encontrar. Por tanto, ocultación y búsqueda van siempre de la mano. La búsqueda es, de hecho, la causante de la ocultación. Quien se esconde, lo hace porque alguien ha emprendido una búsqueda. (…) Y toda búsqueda es visual. Aquello de lo que nos ocultamos es siempre la mirada. No nos escondemos de una palabra, de un olor o de un sabor, aunque quizá sí que nos podamos ocultar de un tacto, pero sobre todo en la relación que dicho sentido mantiene con la mirada. Si nos ocultamos de un toucher es porque su toque es de alguna manera visual, háptico. Sea como fuere, como apunta Malcolm Bull (Seeing Things Hidden) el término ocultación o escondite es, de suyo, un término visual: Esconder es quitar(se) de la vista”.

¿De qué PELIGRO estamos hablando cuando intentamos pensar desde la práctica pictórica? Leyendo “Sigmar Polke: una política libertaria de la pintura”. Del peligro que conlleva la práctica de la pintura. Desde los primeros años ochenta [recordemos que el texto de Ángel González Pintura y toros es de 1983], el trabajo de Polke se ha convertido en un campo abierto a los experimentos pictóricos más alarmantes y alucinantes. Al casar los materiales más tradicionales con las mezclas más extravagantes (…), Polke corroe los valores tradicionales de la pintura de un solo golpe. Al emplear de forma voluntaria colores que han desaparecido del mercado actual por razones de toxicidad, como el verde Schweinfurt o el orpimento, el pintor recupera el sentido original de la pintura, el poder simultáneamente curativo y religioso que lo hacía tan sospechoso a los ojos de Platón. “El veneno produce un efecto muy seguro –exclama Polke-. El arte no produce ninguno”. El uso de semejante farmacopea es, evidentemente, no menos polémico que estético. El pintor se rebela contra una concepción saneada, analgésica, de la pintura, que ha pasado a ser completamente inconsciente de sus orígenes peligrosos.

“En realidad la enfermedad, el síndrome de Bartleby, viene de lejos. Hoy es ya un mal endémico de las literaturas contemporáneas esta pulsión negativa o atracción por la nada que hace que ciertos autores literarios no lleguen, en apariencia, a serlo nunca. De hecho, nuestro siglo se abre con el texto paradigmático de Hofmannsthal (Carta de Lord Chandos es de 1902), en el que el autor vienés promete, en vano, no escribir nunca más una sola línea. Franz Kafka no cesa de aludir a la imposibilidad esencial de la materia literaria, sobre todo en sus Diarios”.Enrique Vila-Matas, Bartleby y compañía
“Sería concebible que Alejandro Magno, a pesar de los triunfos bélicos de su juventud, a pesar del excelente ejército que adiestró, a pesar de las fuerzas para cambiar el mundo que bullían dentro de él, se hubiese quedado parado en el Helesponto y no lo hubiese atravesado; y no por miedo, no por indecisión, no por una debilidad de la voluntad, sino por la gravedad de la tierra”.Franz Kafka, Aforismos de Zürau
Así, de los distintos motivos para quedarse parado : 1º por miedo. 2º por indecisión. 3º por debilidad de la voluntad.Finalmente, por la gravedad de la tierra.
“Sería lo mismo que decir que el hombre es el animal a quien esencialmente le corresponde la POSIBILIDAD DE CAER. No se tiene a sí mismo como una ESTATUA [pretensión de Don Tancredo] (...) bien al contrario: una escultura o un edificio SE SOSTIENEN SOLOS, no se tienen a sí mismos, no tienen ningún ‘sí mismo’ que les inquiete”.José Luis Pardo, La intimidad

sesiones críticas

COLLECTING, DRAWING, OBJECTS
Coleccionando, Dibujando, Objetos
Julia Hyde

Estoy coleccionando objetos y registrandolos visualmente.

Cada objeto nace con un intención, una utilidad. Por lo tanto, durante la vida de un objeto, el objeto puede perder su intención original para existir en el mundo. Por ejemplo: Cuando vemos un nuevo bolso de te, lo consideramos en como lo vamos a usar: nos proveerá con una taza de te, pasaremos unos minutos bebiendo el te, y entonces, el bolso es de tirar. No se puede reusarlo. Ya ha estado usado. Su intención ha sido cumplido y ahora está sin utilidad práctica. Podemos nombrar un infinidad de cosas que pierden su intención original. ¿Y qué le queda el objeto? El objeto deja de ser útil, y se convierte en puro objeto, en una forma, una figura, una cosa tangible que no sirve para nada. El objeto se convierte en algo del pasado. Tiene una historia, aunque pueda ser muy banal. Existe ahora como un memento de una experiencia pasado. Y eso es la evolución de un objeto a través del tiempo.

Estoy haciendo una colección de objetos sin uso, con intenciones perdidas. Ponerlos en un nuevo contexto, doy a cada objeto, un nuevo significado en relación con los otros. Cita de Walter Benjamín (Illuminations, trans. Harry Zohn): “To renew the old world – that is the collector’s deepest desire.” Lo que hace una colección a un objeto, es de darle una nueva vida. Cada objeto no tiene nada que ver con otro. Su única conexión es que dejan de tener una intención.

Dibujar es una manera de registrar. Cita Catálogo de la exposición en la Casa Encendida
“Santiago Ramón y Cajal (1852-2003) Ciencia y Arte”: “Para Santiago Ramón y Cajal ‘El buen dibujo como la buena preparación microscópica, son pedazos de la realidad, documentos científicos que conservan indefinidamente su valor…’” A través del dibujo, estoy investigando lo que queda de cada objeto: su forma, su calidad física, su textura, su tamaño, etc. Los dibujos son realizados con mucho detalle. Cada dibujo está realizado en una hoja de papel del mismo tamaño que los otros. Los imágenes están colocados en el papel para que tengan un espacio vacío y blanco, alrededor, para que los dibujos floten en un espacio neutro, fuera de sus contextos habituales. Tengo diez-once dibujos hasta ahora, y quiero tener muchos más para dar un idea de cantidad, y de más tiempo. El trabajo de dibujar, la calidad dibujistica muestra un proceso que exige mucho tiempo. Esta sensación de tiempo de ejecución está reflejado en la evolución de la vida de cada objeto.

Los objetos aparecen a las cosas que uno puede encontrar en la calle, en la playa, en tu apartamento, en cualquier sitio. En otras palabras- basura, junk, inutil. A través del largo de nuestras vida, todos acumulamos basura, cosas que llenan nuestros apartamentos y casas. Lo más tiempo que vivimos en un lugar, las más cosas que adquirimos. Estas cosas, esta “basura”, en un sentido mide el paso del tiempo. Mi intención es de crear una sensación del paso de tiempo con un registro visual de esta “basura”.

Cuando miramos los dibujos, intentamos poner un orden al caos. (Miguel Angel Ramos- “orden es una herramienta humana.”) Intentaremos darles sentido. Los objetos cuentas historias del pasado, o crean dudas o preguntas sobre el pasado. Refieren a un tiempo perdido, que nunca volverá. Con esto, espero crear un sentido de nostalgia.

Todavía el plan para el montaje no ha sido resuelto. Hay varias opciones. Yo podría ponerlos en la pared, intentando cubrir lo más espacio de la pared posible. O yo podría crear una tabla o estantería donde los dibujos estarían colocados detrás de un vidrio como los especimenes de un experimento científico.

Cita de Walter Benjamín (Illuminations, trans. Harry Zohn): “Every passion borders on the chaotic, but the collector’s passion borders on the chaos of memories.”


Collecting, Drawing, Objects


I am collecting objects and visually recording them.

Every object is created with a purpose, a use. However, during the objects life, the object can loose its original purpose for existing in the world. For example: When we view an unused tea bag, we consider it in terms of how we shall use it: it will provide us with a cup of tea, we will spend a few minutes drinking the tea, and then, the bag is disposable. It cannot be reused. It has been used, it served its purpose and now is useless. We can name countless things that loose their original intention. And what remains of them, are their shape, form, and physicality. The object is converted into something from the past. It has a history, even if it is a banal one. It exists now as a memento of a past experience. And this is an object’s evolution.

I am collecting objects that have no use, whose original purposes have been lost. By placing them in a new context, I am giving them a new meaning in relation to one another. Walter Benjamin (Illuminations, trans. Harry Zohn): “To renew the old world – that is the collector’s deepest desire.” What a collection does to an object, is give it a new life. The objects have nothing to do with one another. Their only connection is taht they have ceased to have a purpose.

Drawing is a way of recording. Quote from Catálogo de la exposición en la Casa Encendida
“Santiago Ramón y Cajal (1852-2003) Ciencia y Arte”: “Para Santiago Ramón y Cajal ‘El buen dibujo como la buena preparación microscópica, son pedazos de la realidad, documentos científicos que conservan indefinidamente su valor…’” Through drawing, I am investigating what remains of each object: its form, its texture, its shape and size, etc. The drawings are very detailed. Each one is drawn on a sheet of paper of uniform size. The images are placed on the paper so that they have space around them, allowing the drawings to float in neutral space, out of their normal contexts. I have ten-eleven drawings up to now, and I want to have more to give a sense of quantity and an increased sense of time, through the accumulation of objects. The way in which the images are drawn is time-consuming. The long execution time of the drawings adds to the feeling of time that not only the accumulation of objects suggests, but also the sense of an unretrievable past that the object itself displays.

The objects appear to be things that could be found in the street, on the beach, in your apartment, or anywhere. In other words, they could be viewed as useless junk. Throughout our lives, we accumulate trash, things that fill our rooms and apartments. These things reflect the passing of time- the more time we live somewhere, the more things we seem to aquire. These things, or “junk”, in some ways measure the passage of time. My intention is to show the passage of time with a visual recording of this “junk”.

When we look at these drawing, we try to put an order to the chaos. (Miguel Angel Ramos- “orden es una herramienta humana.”) We try to make sense out of what we see. The objects tell stories of the past or raise questions about the past. They refer to a time that has been lost, that will never be recuperated. With this, I hope to create a feeling of nostalgia.


The actual plan for the display has yet to be resolved. There are many options. I could pin the drawings to the wall, covering as much of the surface area of the wall as possible. Another option is to create a sort of shelf, where the drawings are treated as scientific specimens on display, one after another in a row.

Quote from Walter Benjamín (Illuminations, trans. Harry Zohn): “Every passion borders on the chaotic, but the collector’s passion borders on the chaos of memories.”


Extra:

List of completed drawings:
Razor-back clam shell
Tea bag
Melted candle
Long pod
Dark pod
Spiral shell
Flat shell
Paper muffin wrapper

List of possible drawings to be completed:
Broken egg shell
Yogurt container
Cigarette butt
Match
Feather

Class with Miguel Angel Ramos October 15
La vida es un montón de cosas dejadas como basura al azar.
Vida = caos = basura. Cosas que no tienen nada que ver con si mismas.
Orden es una herramienta humana.
Memoria= todos los hechos percibidos en nuestra vida (no controlamos; es todo)
Recuerdo= todos los hechos percibidos en nuestra vida que podemaos utilizar (controlamos)

Nietzsche: We believe that we know something about the things themselves when we speak of trees, colors, snow, and flowers; and yet we possess nothing but metaphors for things — metaphors which correspond in no way to the original entities. (on truth and lies in a nonmoral sense, 1873.)

Santiago Ramón y Cajal (1852-1934)
Catálogo de la exposición en la Casa Encendida
“Santiago Ramón y Cajal (1852-2003) Ciencia y Arte”

“Goethe dijo que el arte y la ciencia proceden de la misma fuente, la naturaleza. El arte es el intérprete de los enigmas del universo. El arte y la ciencia son objetivos. La obra de arte, es al mismo tiempo la obra de la naturaleza producida por el hombre, según leyes naturales y verdaderas.” p. 19.
“’ todos lo grandes observadores suelen ser habilísimos dibujantes. Los estudios morfológicos, la histologia, la anatomía y la embriología serían incomprensibles sin el arte del diseño.’” p. 21
“Para Santiago Ramón y Cajal ‘El buen dibujo como la buena preparación microscópica, son pedazos de la realidad, documentos científicos que conservan indefinidamente su valor y cuya revision sera siempre provechosa, cualesquiera que sean las interpretaciones a que hayan dado origen.’” p. 55
….”sin ningún ‘prejuicio teórico.’” p. 55


Walter Benjamin
Illuminations
Walter Benjamin, Illuminations, trans. Harry Zohn (New York: Schocken Books, 1968), pp 67, 60, 61, 60

“…ownership is the most intimate relationship that one can have to objects. Not that they come alive in him; it is he who lives in them…”

“Thus, there is in the life of a collector a dialectical tension between the poles of disorder and order. Naturally, his existence is tied to many other things as well: to a very mysterious relationship to ownership…; also, to a relationship to objects which does not emphasize their functional, utilitarian value – that is, their usefulness – but studies and loves them as the scene, the stage, of their fate.”

“To renew the old world – that is the collector’s deepest desire.”

“Every passion borders on the chaotic, but the collector’s passion borders on the chaos of memories.”

sesiones criticas

Palabras que construyen MANTRA LATINO
Angélica Álvarez

INTRODUCCION

Ya hacia el año 600 d. C. San Gregorio escribió que la escritura es para los que saben leer lo que la pintura es para los que sólo pueden ver. Pero pensar ambas partes como independientes una de la otra, es casi imposible. Las imágenes (de cualquier tipo) se pueden leer de cierta forma y cada texto es posible concebirlo en la mente con imágenes.
Aristóteles dijo que las palabras habladas son los símbolos de la experiencia mental y las palabras escritas son los símbolos de las palabras habladas; tambien los chinos definían la escritura como el habla pintada, algo semejante a lo que dijo Voltaire: La escritura es la pintura de la voz…

Esta íntima relación ha sido y será fuente de investigación y disertación pues las palabras nos ayudan a comprender el mundo; pero qué son las palabras sino su representación codificada (verbal o gráficamente), y como dice Foucault: en el límite, se podría decir que el lenguaje clásico no existe, sino que funciona: toda su existencia tiene lugar en su papel representativo, se limita exactamente a él y acaba por agotarse en él. El lenguaje no tiene otro lugar que no sea la representación, ni tiene valor a no ser en ella: en este molde que ha podido arreglarse…

En el último siglo hemos sido testigos de la fusión de los límites entre los diferentes medios y disciplinas abordando el mundo desde una multiplicidad de puntos de vista. Existe una amplia tendencia de las artes visuales hacia la escritura que se vuelve evidente, las imágenes publicitarias y la mayoría de las formas literarias conviven en estado simbiótico. Lo curioso es que, también en el siglo xx, la escritura se preocupa cada vez mas por su forma, por la estética de su código gráfico, la tipografía y la disposición de la página.

En este contexto es que he decidido emprender este proyecto en el que intento reunir la palabra y la imagen, pero en este caso haciendo un uso plástico de las palabras, es decir, usándolas como elemento visual y dibujístico, con la inquietud que marca la obsesión y mi irremediable voluntad de orden para permitir cuestionarnos sobre ambas cosas, las palabras y las imágenes.

EL PROYECTO

Como decía Wittgenstein, el lenguaje mediatiza el pensamiento, los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo.

La diversidad y las identidades coexisten en el universo; la identidad se logra percibir porque podemos designar límites o identificar diferencias, y es construida a partir de la historicidad del sujeto alrededor de su ser y su existir.
Nuestra percepción funciona hasta cierto alcance, según nuestros límites, todo límite o borderline como frontera aparece hasta que diferenciamos o distinguimos una cosa de la otra a la que ponemos nombre. Aprendemos a percibir las diferencias al momento de poder comparar, y definimos el límite cuando lo que esta del otro lado nos es ajeno.

Como protagonistas de nuestra historia e identidad tenemos el papel principal y hemos aprendido a limitarnos a considerar diferentes a los otros. Vemos la diversidad en nuestra especie y en nuestro mundo, diferencias en el cuerpo y en la mente, aprendimos a etiquetar, delimitar, diferenciar, marginar y nombrar para reconocer los objetos.

La capacidad de nombrar es propia de la especie humana. Parece consecuencia de haber desarrollado las capacidades de hablar y de pensar y está estrechamente relacionada con la expresión y la comprensión. Nombramos, somos nombrados y compartimos los nombres a través de las palabras, y cada región del mundo tiene sus formas propias de hacerlo, esas peculariedades dejan huella en nosotros, y son tatuaje reconocible de nuestros códigos particulares.
Por lo tanto la forma como nos expresamos, como usamos el lenguaje en su forma oral, escrita o gestual, dice mucho de nosotros, de quien somos y de donde venimos.
Pero las palabras pueden ser mucho más que eso. La palabra escrita, es un código gráfico, un elemento visual, que separado de su función significante puede ser un elemento estético inquietante y poderoso. Las palabras audibles por intensidad y altura; duran y por lo tanto son en el tiempo y proceden de un instrumento con un timbre propio y peculiar que tiene su amplitud y calidad de registro y resonancia, son sonido, y la comprensión de su significado ya no es tan importante. Goethe decía que la música empieza donde terminan las palabras así que no parece mala idea llevar las palabras hasta el confín de la música, al menos hasta el núcleo de la misma, si así consideramos al ritmo.
De imágenes, palabras, ritmo y sonidos trata MANTRA LATINO.
Etimológicamente, la palabra mantra proviene de los vocablos sánscritos MAN: mente y TRA: liberar. En otras palabras, los mantras son recursos para proteger a nuestra mente contra los ciclos improductivos de pensamiento y acción. Al concentrarse en la repetición del sonido, todos los demás pensamientos se desvanecen poco a poco hasta que la mente queda clara y tranquila.

He elegido abordar estos temas con una serie de retratos en tamaño real de inmigrantes latinoamericanos que viven por tiempo indefinido en Madrid, elegidos porque conservan las palabras y su acento como tatuaje de identidad regional, realizados mediante la técnica de estampación por transfer directamente sobre los muros de la galería procurando la vinculación directa con el trabajo que implica completar la imagen dibujando con palabras sobre esta, repitiendo rítmica y exponencialmente una frase construida con palabras propias de la identidad regional del personaje retratado.
Utilizo el dibujo como medio principal pues me parece que es una técnica de introspección y añoranza que permite establecer una relación perdurable entre el ojo y las cosas del mundo, propiciando la necesaria hospitalidad y la calidez para conversar (del latín cum: con y versare: dar vueltas, examinar, meditar) con las fuentes inspiradoras.
Las imágenes pueden ser leídas literalmente. Las frases leídas y repetidas como los mantras, aunque nos sean incomprensibles en principio (si desconocemos los códigos de lenguaje del personaje elegido) pretenden descolocarnos de la comodidad hasta que lleguemos a perder la naturalidad que nos une a esos signos, letras y palabras que nos son ajenas hasta que las reconocemos, como nos es ajena esa persona hasta que le ponemos nombre y vamos completando su imagen total con datos que vamos reconociendo en ellos a medida que les dedicamos tiempo…

EXPOSIBLES {un espacio para la probabilidad}

En primer lugar, la contrariedad. Tener un espacio expositivo disponible y no querer ocuparlo. Lugar molesto, cutre, rígido, anticuado y, sobre todo, sin posibilidad de modificación. Ante la prohibición de realizar alteraciones radicales en él (como limpiar, colgar cuadros en las paredes, pintar, respirar…) no queda más opción que negarse a usarlo.

“No me gusta. No lo uso”

La idea es, así, crear a partir de la negación, generando modos de acción que evidencien el desagrado y las prohibiciones asociadas al espacio. Tomar los límites y usarlos como consigna y material creativo.

Exposibles, entonces, se genera y opera como una especie de juego ontológico, en el que las reglas determinan el movimiento y ser de la “exposición”. Son justamente los límites los que otorgan sentido e impulsan acción y forma; son precisamente las prohibiciones con respecto al uso del espacio las que dan pie a actuar y estructuran la creación.

Aparece, pues, el “positivo”. Si no se quiere usar el sitio concreto, y no se puede alterar su materialidad física, es necesario preguntarse por las posibilidades que esto otorga: ¿Negación- desocupación? ¿Negación- adopción?

Surge la idea de generar una realidad intermedia en la que estas actitudes puedan encontrarse. Crear un sitio virtual que sí permita alteraciones; que evidencie las posturas, ideas, deseos o sensaciones que el espacio real propone, pero que no admite realizar. En síntesis, generar un dispositivo que revele las probabilidades de acción del sitio rechazado, que adquiere una nueva potencia en la virtualidad.

Esta realidad intermedia es generada por una doble proyección: el modelo arquitectónico del espacio real y una serie de acciones desarrolladas sobre fotografías de la sala proyectadas fuera de ésta. A su vez, el plano indica los lugares donde estas acciones se llevan a cabo.


Acciones proyectadas

La proyección posee también un doble significado. No sólo es en si una proyección de imagen, sino a la vez sintetiza ideas y proyectos de los diferentes ejecutores en relación al espacio.

Acciones que bajo el mismo concepto de negación plantean reflexiones distintas: trabajos de fusión con el espacio; negación de la mirada, negarse a ver y negar la posibilidad de que el otro vea. Invitarlo a ver para cegarlo después: el reflejo como estrategia anti-visual. Rechazar el espacio en sí, ya sea eliminándolo con un borrador, pintura o maquillaje. Crear situaciones ideales que no son permitidas en la realidad pero que sí tienen cabida en el espacio de la virtualidad.

La negación del espacio y sus prohibiciones se lleva al extremo de clausurar la entrada a la sala invitando al espectador a ver las proyecciones desde fuera, acentuando así la sensación de frustración asociada al espacio expositivo.

Alegret- Pradel- Radrigán



Cámara: Silvana Calvo
Edición: Gonzalo Cueto
Planos: María de Lourdes Delgado


Acciones

Paola Romero
Julia Hyde
Mariana Leyva
Valeria Radrigán
Carolina Muñoz
Omar Cintrón
Gonzalo Cueto
Amelia Vicuña
Angélica Álvarez
María Romero





Magíster en Teoría y Práctica Artes Plásticas /07

ejercicio expositivo

Bien, despues de todo hemos llegado a un acuerdo en cuanto al ejercicio expositivo (nunca mejor dicho) de septiembre...

Despues de que nos enfrentamos al espacio y charlamos acerca de las posibilidades expositivas de este, acordamos ajustar el proyecto bajo una misma consigna: "negarnos a ocupar ese espacio, en esas condiciones".

Les comunico entonces los acuerdos acerca de la realización del ejercicio expositivo:

1.- Durante los 5 dias de duración de éste, se proyectará dentro de la sala por un lado, el plano y/o modelo arquitectónico realizado por Luca, y por otro el video-registro de las acciones.
Las proyecciones se realizaran de la manera mas austera posible, para ocupar minimamente el espacio...
Las proyecciones estarán sincronizadas para que al tiempo que se realiza la acción, en el plano se señalice el espacio vitual que se esta interviniendo.

2.- Realizaremos acciones reales sobre espacios virtuales... se hará de la siguiente forma:
En un espacio alternativo (es decir fuera de la sala) se realizará la grabación en video continuo de las acciones individuales generadas sobre la proyección de los espacios virtuales.
El lunes tomaremos fotografias digitales del espacio en sala (cada quien elige el espacio a intervenir y los tiempos de sus acciones). Estas fotografías serán compiladas y ordenadas por Angélica en una presentación, el martes y miercoles trabajaremos sobre la proyección de las fotografías y la realización de las acciones, ( quien no se presente ese dia no podrá aparecer en el video, sin embargo es libre de participar en el ejercicio expositivo de forma alternativa)
La videograbación correrá a cargo de Silvana- como el video debe grabarse de continuo pues no haremos ningun montaje, debemos tener bien preparada la acción ha realizar...

La justificacion teórica del proyecto correrá a cargo de los chicos del taller de crítica y la redacción final será coordinada por Antonio, pero cualquiera que tenga alguna idea que aportar será bien recibido.

El dia jueves a las 5:30, nos reuniremos para ultimar los detalles del montaje.
El viernes haremos el montaje por la mañana ( los que puedan ) y buscaremos tiempo en la tarde para dejar todo listo.
Las ideas para la presentación de la exposición así como la señalización de la sala todavía no están muy claras, asi que todas tus ideas serán bienvenidas...

Si tienes dudas puedes preguntarme 620 35 73 66 Angélica